Museu Capodimonte, Nápoles - Uma jóia pouco explorada !

1. - O Museu Capodimonte

O Museu Capodimonte, localizado em Nápoles, é um dos principais museus da Itália, tendo sido criado por Carlos VII a partir de 1738, com o objetivo inicial de servir como uma residência de caça e, como uma galeria para acomodar a coleção de arte dos Farnese, herdada por ele através de sua mãe, Elisabetta Farnese.

Museu Capodimonte, Nápoles, foto HistoriacomGosto

Contexto da Época

No século XVIII, Nápoles era um dos centros culturais mais vibrantes da Europa, sob o governo dos Bourbons. A construção do Palácio de Capodimonte reflete o desejo da monarquia de estabelecer um símbolo de seu poder e sofisticação, bem como de promover as artes e a cultura na região.

Elisabetta Farnese

Elisabetta Farnese (1692-1766) foi uma figura influente na política europeia do século XVIII, conhecida por seu papel como Rainha da Espanha e por ser uma das mais poderosas e astutas rainhas consortes da história espanhola. Sua vida é marcada por alianças estratégicas, intrigas políticas e um legado duradouro nas artes e na política.

Origens e Casamento

Nascida em Parma, Itália, Elisabetta era filha de Odoardo Farnese, Duque de Parma, e Dorotea Sofia de Neuburg. Em 1714, ela casou-se por procuração com Filipe V da Espanha, tornando-se sua segunda esposa. Este casamento foi arranjado como parte de uma estratégia para fortalecer as alianças entre a Espanha e outros poderes europeus, e Elisabetta rapidamente se tornou uma influência significativa na corte espanhola.

Além de sua influência política, Elisabetta Farnese teve um impacto significativo nas artes. Ela foi uma grande patrona, enriquecendo as coleções reais com obras de arte e antiguidades. Sua paixão pelas artes ajudou a formar a base da coleção que eventualmente se tornaria parte do acervo do Museu Capodimonte em Nápoles. Através de sua influência, artistas e obras de arte de renome foram trazidos para a Espanha, contribuindo para o florescimento cultural do país.

Carlos VII / Carlos III da Espanha

Carlos VII, Rei de Nápoles (mais tarde conhecido como Carlos III da Espanha), foi uma figura central na história europeia do século XVIII, marcando significativamente a política, a cultura e a arte na Itália e na Espanha. Nascido em 1716, Carlos era filho de Filipe V da Espanha e de sua segunda esposa, Elisabetta Farnese, cujas ambições políticas desempenharam um papel crucial em sua ascensão ao poder.

Ascensão ao Trono de Nápoles

Carlos tornou-se Rei de Nápoles e da Sicília em 1734, durante a Guerra de Sucessão Polonesa, quando as forças espanholas derrotaram os austríacos, permitindo-lhe assumir os tronos como Carlos VII de Nápoles e Carlos V da Sicília. Sua ascensão foi parte da estratégia de sua mãe para recuperar territórios italianos para a coroa espanhola e garantir reinos para seus filhos.

Principais Coleções

O primeiro núcleo da coleção formou-se graças à iniciativa de Alessandro Farnese (1468-1549), papa com o nome de Paulo III (1534), interessado tanto nas antiguidades (agora preservadas no Museu Arqueológico Nacional de Nápoles) como no principais personalidades artísticas do período chamaram a retratá-lo (Rafael, Ticiano, Guglielmo della Porta) e a trabalhar nas sedes papais e na fábrica do Palazzo Farnese (Sebastiano del Piombo, Michelangelo, Antonio da Sangallo).

Ao longo do tempo, o Museu Capodimonte enriqueceu suas coleções através de diversas aquisições, doações e heranças. Atualmente as principais coleções incluem:

• Coleção Farnese: Composta por obras de arte de valor inestimável, incluindo esculturas clássicas, pinturas renascentistas e barrocas de artistas como Ticiano, Parmigianino e Carracci.

• Coleção Borgia: Reúne peças de arte antiga, incluindo artefatos egípcios, etruscos e romanos.

• Coleção de Arte Napolitana: Destaca-se pela representação de obras de arte produzidas em Nápoles e região, desde a Idade Média até o século XVIII, com obras de artistas como Caravaggio e Luca Giordano.

• Coleção de Porcelanas e Maiólicas: Uma das mais importantes coleções de porcelanas e cerâmicas, incluindo peças da famosa fábrica de porcelana de Capodimonte.

Transformação em Museu

Embora tenha abrigado a coleção de artes da família real desde 1738, a abertura oficial do palácio como uma galeria de arte pública, no sentido moderno, só ocorreu muito mais tarde, com a inauguração do Museu Capodimonte em 1957. Antes disso, o acesso às coleções era limitado e destinado principalmente à nobreza e a visitantes distinguidos, não estando aberto ao público geral como um museu até meados do século XX.

Salão de Baile do Palácio Capodimonte

Portanto, enquanto o palácio começou a funcionar como uma galeria de arte da família real logo após o início de sua construção no século XVIII, a sua função como um museu público só foi estabelecida no século XX.

2. - Principais Obras - Pinturas

a) Crucificação por Masácio, 1426

A Crucificação, que tem por medidas 83×63 cm e está presentemente no Museu de Capodimonte, era o painel de topo de um Políptico.

Sobre um fundo de ouro, o painel representa a Crucificação de Cristo, e visto de frente, Cristo parece ter a cabeça completamente embutida nos ombros, mas quando estava colocado na sua posição original e, visto de baixo para cima, o pescoço aparece escondido pelo tórax anormalmente protuberante, até mesmo o corpo, com as pernas desarticuladas pelos tormentos, parece compensado pela perspectiva. Em cada lado da cruz está a Virgem Maria e São João Evangelista e aos pés de Cristo está Madalena vista de trás. (Museu Capodimonte)

b) Madonna com o menino Jesus e duas crianças, Botticelli, 1470

A Virgem, vestida com suas tradicionais cores vermelho e azul, está sentada, virada três quartos para a esquerda, segurando o Menino nos braços; encosta-se a um parapeito de mármore, cujo canto se estende por uma coluna voltada para o céu, tendo, ao fundo, uma paisagem íngreme cobrindo um mausoléu, pontilhada de árvores, incluindo ciprestes. Com a mão esquerda ela segura levemente a Criança pelos pés. Esta última é carregada por dois anjos, e ele estende os braços na direção dela. 

A Virgem está finamente penteada, os cabelos presos por um fino véu; suas roupas são adornadas com festões e pérolas de ouro que também podem ser encontradas nos detalhes das auréolas típica de Botticelli que abandonou os exemplares de Verrocchio que usara em trabalhos anteriores. A cabeça da Virgem, com o queixo pontudo, que também pode ser encontrada em Nossa Senhora da Eucaristia , A Virgem da Loggia e a Alegoria da Força , todas datadas dos mesmos anos, bem como a representação volumétrica da Virgem , vêm das influências de Verrocchio.

Madonna com o menino Jesus, Botticelli, 1470

A atmosfera geral da obra, representando figuras sérias e pensativas, absortas em sua própria beleza, é melancólica e contemplativa acentuada pela delicadeza dos tons de claro-escuro nos tons da pele e nas roupas.

c) A Parábola dos cegos guiados por outro cego, Peter Brugel, 1578

A obra retrata a parábola contada por Jesus Cristo, na qual o cego guia outro cego. A passagem bíblica aparece em Mateus 15:14, quando Jesus dirige uma crítica aos fariseus: “Deixai-os. São cegos e guias de cegos. Ora, se um cego conduz a outro, tombarão ambos na mesma vala.” 

A narrativa é comumente interpretada como uma metáfora para descrever uma situação em que uma pessoa sem conhecimento é aconselhada por outra pessoa que também não tem conhecimento algum sobre determinado assunto. (fonte:wikipedia)

Parábola dos cegos, Peter Brugel "O Velho", 1578

d) Madonna do Amor Divino, Rafael Sanzio e ajudantes, 1516

Atualmente depois do trabalho de restauração onde se teve a oportuniade de ver as diversas fases de concepção e execução da pintura, a Madonna del Divino Amore, vem definitivamente creditada a Raffaello e do seu ateliê.

A Madonna do Amor Divino foi lembrada por Giorgio Vasari em sua "Vida de Rafael (1550)" como uma das mais belas obras do período romano do grande pintor.

Madonna do Amor Divino, Rafael e auxiliares, 1516

e) Maria Madalena - Ticiano, 1550

As informações históricas sobre a pintura são confusas devido à existência de algumas cópias e variantes, por se tratar de um tema particularmente caro a Ticiano , que, tal como as Dânae, aparece diversas vezes no seu repertório.

Na Madalena de Nápoles, a penitência é, portanto, representada com elementos iconográficos mais pertinentes ao tema, ausentes na primeira versão: ao contrário da versão florentina de 1533, a Madalena napolitana já não aparece nua, mas vestida, com a ampola de unguentos inserida no fundo à esquerda, acima da qual está a assinatura do pintor «TITIANVS P.» , enquanto os outros elementos típicos da iconografia introduzidos são o do livro aberto e a caveira como memento mori . A postura e os gestos são quase os mesmos em todas as versões do tema que Ticiano pintou ao longo de sua longa carreira, portanto com a santa olhando para o céu, buscando a redenção dos pecados que cometeu. Contra o fundo rochoso, porém, abre-se uma paisagem típica de Ticiano, que se na versão de Florença parece mais escura e tempestuosa, na versão de Nápoles parece calma e iluminada com um claro embelezamento cromático, que será ainda mais acentuado no Versão de São Petersburgo .

Madalena, Ticiano, 1550

f) Flagelação de Cristo, Caravaggio, 1607 ~1608

Esta é uma das duas versões do episódio bíblico da Flagelação de Jesus que Caravaggio pintou no final de 1606 e início de 1607, após a sua chegada a Nápoles, estando a outra versão da Flagelação de Cristo, também conhecida com o título de Cristo na Coluna, no Museu de Belas Artes de Rouen.

Tal como acontece com muitas outras obras de encomenda pública realizadas neste período, Caravaggio opta por uma solução mais convencional e menos chocante para os cânones da pintura religiosa, aproximando-se da pintura Flagelação de Cristo, sobre o mesmo tema de Sebastiano del Piombo.

Flagelação, Caravaggio, 1607 ~ 1608

É uma representação não convencional da realidade humana e natural, uma maneira nova de fazer pintura, através de contrastes vincados e dilacerantes de luz e sombras, de fragmentos, ou melhor, de pedaços, de corpos em movimento captados no momento de maior e chocante tensão, não só física como especialmente psíquica, emocional, sentimental. Os corpos saem da sombra e os traços físicos são definidos pela luz quase ofuscante sublinhando com grande dramatismo o acontecimento que a pintura representa

g) São José e um devoto, Correggio, 1529

São duas telas, talvez originalmente colocadas em duas portas de um armário ou de um pequeno órgão, e são pintadas com pinceladas largas  que acentuam o movimento das figuras, que, por não estarem definidas por um desenho excessivamente óbvio, tomam posse do espaço. 

A presença de São José levou os críticos a identificarem o outro personagem com o conde Guido da Correggio, devoto do santo falecido em 1528. A obra vem da coleção Farnese. Ferdinando Bologna, em 1957, reconheceu as duas telas como uma obra-prima de Correggio na sua fase madura, datando-as, portanto, entre finais da terceira e início da quarta década do século XVI.

São José e um devoto, Correggio, 1529

h) São Jerônimo e o anjo do Juízo final - Jusepe de Ribera, 1626

Pintada para uma capela lateral do altar da igreja napolitana da Trindade das Freiras, para a qual Ribera também executou o grande retábulo da Trindade, a pintura, assinada e datada de 1626, permaneceu na igreja até 1813, quando, seguindo a supressão dos mosteiros, foi transferido para as coleções do Museu Bourbon.

São Jerônimo e o anjo do juízo final, Ribera, 1626

O santo, grande estudioso e doutor da Igreja, traduziu a Bíblia do grego para o latim, única versão oficialmente reconhecida pela Igreja, durante os longos anos que passou como eremita no deserto. Seus símbolos são a caveira, os livros e o leão: segundo a lenda, de fato, Jerônimo domesticou este último após retirar um espinho de sua pata. 

Na tela, o santo, retratado diversas vezes pelo pintor, é surpreendido, durante a meditação, por um anjo à maneira de Caravaggio que surge de repente nas nuvens, tocando uma buzina talvez para lembrá-lo de seu fim iminente. O leão está na sombra, canto inferior esquerdo. A figura destaca-se contra um fundo escuro e uma mancha de céu muito claro se abre à esquerda, iluminando toda a cena. Peças da mais alta qualidade, como a caveira, os pergaminhos enrolados, o tinteiro, são reproduzidos com vigoroso naturalismo, mas comparados ao tenebrismo das primeiras obras napolitanas, notamos passagens de claro-escuro mais delicadas, cromatismos mais preciosos e drapeados mais ricos, típicos das obras do mestre a partir da terceira década do século. (fonte: Museu Capodimonete))

3. Principais Obras - Esculturas

a) Ad Muraenas - Luigi de Luca 

O tema do imponente alto relevo é retirado de um escrito intitulado "Pompeia" de Luigi Conforti (Torino 1854 - Nápoles 1907), poeta e crítico literário, fundador da revista "Napoli Nobilissima" e filho do jurista Raffaele.

“Jovem e bonita, ela foi jogada na prisão por bandidos. Deitadas no chão nu, a maré sobe e as moreias agarram-se àquele corpo divino, causando um tormento hediondo. Alimentadas pela carne jovem da vítima, e por isso ficando mais saborosas, aquelas moreias passarão então a deliciar, entre risos, as mesas dos glutões glutões. É claro que outra infeliz teve que morrer ali a mesma morte horrível: o crânio restante, a última relíquia do martírio, assim o diz" (retirado da revista "L'illustration Italiana" de 4 de outubro de 1891). 

Perturbadora e sensual, a figura de Cestilia de Ad Murenas, em linha com a literatura erótica da época e as teorias decadentes sobre a dor, enquadra-se plenamente na “escultura dos sentidos”. Provocando admiração e perturbação, ela é a verdadeira heroína simbolista que melhor encarna aquela ideia de uma mulher jovem e bela dilacerada pela dor e com o corpo intacto. O gesso premiado em Nápoles e depois em Palermo foi fundido em bronze na fundição Ciampaglia de Nápoles e entrou nas Coleções Capodimonte em 1949, graças a uma compra do Ministério da Educação.

b) "Camillus" - Guglielmo della Porta

"O nome Camillus era comum na Roma Antiga e significa “sacerdote nos sacrifícios”, por essa razão, um dos significados deste nome é “sacerdote” ou “clérigo”. Além disso, o cognome Camillus era comum aos jovens que realizavam serviços religiosos. (fonte? Charlies-names.com)

Camillus, Guglielmo della Porta 

c) Madonna com il Bambino - Autor desconhecido

Madonna com o Menino Jesus

d) Bustos

Cabeça de Afrodite, século III a.C.

Jovens Pastores, terracota,
Rafaelle Belliazzi, 1873

As Quatro estações, "Inverno", Mármore,
autor desconhecido,fim do século VIII

4. - Comentários

O Museu Capodimonte representa um pilar da cultura italiana e napolitana, refletindo a riqueza histórica, a diversidade artística e a profundidade cultural da Itália. Ele não apenas preserva tesouros artísticos de valor incalculável, mas também promove a compreensão e a apreciação da arte e da história italianas em um contexto global.

Essa postagem tem a finalidade de divulgação cultural do Museu e de suas obras e também a de ser uma fonte de consulta para aqueles que já tiveram a oportunidade de conhecer. 

5. - Referências

Wikipedia - Museu Capodimonte

ChatGpt - Elisabetta Farnese e Carlos VII

https://charlies-names.com/pt/camillus/ - Significado de Camillus