O Surrealismo de René Magritte: O Filho do Homem e Outros

1. - O Surrealismo

O surrealismo é um movimento cultural que começou no início da década de 1920 e é mais conhecido por suas obras de arte e escritos visuais. Os artistas pintavam cenas enlouquecedoras e ilógicas com precisão fotográfica , criavam estranhas criaturas a partir de objetos do cotidiano e desenvolviam técnicas de pintura que permitiam ao inconsciente se expressar. Seu objetivo era "resolver as condições anteriormente contraditórias do sonho e da realidade em uma realidade absoluta, uma super-realidade". 

Trabalhos surrealistas apresentam o elemento surpresa, justaposições inesperadas; no entanto, muitos artistas e escritores surrealistas encaram seu trabalho como uma expressão do movimento filosófico em primeiro lugar, com as obras sendo um artefato. O líder André Breton foi explícito em sua afirmação de que o surrealismo era, acima de tudo, um movimento revolucionário. 

O surrealismo se desenvolveu durante a Primeira Guerra Mundial e o centro mais importante do movimento foi Paris. A partir da década de 1920, o movimento se espalhou pelo mundo, afetando as artes visuais, a literatura, o cinema e a música de muitos países e línguas, bem como o pensamento e a prática política, a filosofia e a teoria social. 

A palavra "surrealista" foi cunhada em março de 1917 por Guillaume Apollinaire em uma carta a Paul Dermée: "Considerando tudo, acho que é melhor adotar o surrealismo do que o sobrenaturalismo, que usei pela primeira vez" [Tout bien examiné, je crois en effet qu'il vaut mieux adopter surréalisme que surnaturalisme que j'avais d'abord employé]. 

Fonte: Wikipédia

Golconde, René Margritte, 1953

René Magritte – “Golconde” – 1953 – The Menil Collection - Houston Texas

"A tela retrata uma cena de homens quase idênticos, vestidos com sobretudos e chapéus-coco, que parecem gotas de chuva forte (ou estar flutuando como balões de hélio, embora não haja nenhuma indicação real de movimento), contra um pano de fundo de edifícios e céu azul. Os homens estão espaçados em rede e em camadas. Magritte morou em um ambiente suburbano semelhante em Bruxelas, e vestia-se de forma semelhante. O chapéu-coco era uma característica comum de muitos de seus trabalhos, e aparece em pinturas como “O Filho do Homem”."

fonte de "https://www.arteeblog.com/2015/05/a-historia-de-golconde-de-rene-magritte.html

2. - René Magritte

René François Ghislain Magritte  foi um dos principais artistas surrealistas belgas, ao lado de Paul Delvaux.

Magritte nasceu em Lessines, Bélgica, no dia 21 de Novembro de 1898, filho caçula de Léopold Magritte. Em 1912, a sua mãe, Régina, cometeu suicídio por afogamento no rio Sambre.

Em 1916, ingressou na Académie Royale des Beaux-Arts, em Bruxelas, onde estudou por dois anos. Foi durante esse período que conheceu Georgette Berger, com quem se casou em 1922. Trabalhou em uma fábrica de papel de Parede, e foi designer de cartazes e anúncios até 1926, quando um contrato com a Galerie la Centaure, na capital belga, fez da pintura a sua principal atividade. Nesse mesmo ano, Magritte produziu a sua primeira pintura surrealista, Le jockey perdu, tendo a primeira exposição apresentada no ano seguinte.

René Magritte praticava tanto o surrealismo realista, como o realismo mágico. Começou a imitar a vanguarda, mas precisava realmente de uma linguagem mais poética e viu-se influenciado pela pintura metafísica de Giorgio de Chirico.

Magritte tinha espírito travesso, e, em A queda, os seus bizarros homens de chapéu-coco despencam do céu absolutamente serenos, expressando algo da vida como conhecemos. A sua arte, pintada com tal nitidez que parece muitíssimo realista, caracteriza o amor surrealista aos paradoxos visuais: embora as coisas possam dar a impressão de serem normais, existem anomalias por toda a parte: A Queda tem uma estranha exatidão, e o surrealismo atrai justamente porque explora a nossa compreensão oculta da esquisitice terrena.

Mudou-se para Paris em 1927, onde começou a envolver-se nas atividades do grupo surrealista, tornando-se grande amigo dos poetas André Breton e Paul Éluard e do pintor Marcel Duchamp.

Quando a Galerie la Centaure fechou e seu contrato encerrou, Magritte retornou a Bruxelas. Permaneceu na cidade mesmo durante a ocupação alemã, na Segunda Guerra Mundial.

O seu trabalho foi exposto em 1936 na cidade de Nova York, Estados Unidos, e em mais duas exposições retrospectivas nessa mesma cidade, uma no Museu de Arte Moderna, em 1965, e outra no Metropolitan Museum of Art, em 1992.

Magritte morreu de câncer em 1967 e foi enterrado no Cemitério do Schaerbeek.

fonte: Wikipédia

3. - Considerações sobre A Obra de Magritte

A pintura de Magritte questiona sua própria natureza e a ação do pintor na imagem. A pintura nunca é uma representação de um objeto real, mas a ação do pensamento do pintor sobre esse objeto. Magritte reduziu a realidade a um pensamento abstrato apresentado em fórmulas que ditavam sua propensão ao mistério: "Eu me preocupo, na medida do possível, em fazer apenas pinturas que despertem o mistério com a precisão e o encanto necessários para a vida das idéias ", declarou ele. Seu modo de representação, que aparece voluntariamente neutro, acadêmico ou mesmo acadêmico, destaca um poderoso trabalho de desconstrução das relações que as coisas mantêm na realidade.

Magritte se destaca na representação de imagens mentais. Para Magritte, a realidade visível deve ser abordada objetivamente. Ele tem um talento decorativo que se manifesta no arranjo geométrico da representação. O elemento essencial em Magritte é o seu desgosto inato da pintura plástica, lírica e pictórica. Magritte queria liquidar tudo o que era convencional. "A arte da pintura pode realmente limitar-se apenas a descrever uma ideia que mostre certa semelhança com o visível que o mundo nos oferece", declarou. 

Acima temos a pintura O Princípio do Prazer (Retrato de Edward James), 1937.

4. - O Filho do Homem, 1964

O Filho do Homem (em francês, Le fils de l'homme) é uma pintura de 1964 do pintor surrealista belga René Magritte.

Magritte pintou-o como um auto-retrato. A pintura consiste em um homem de fato e chapéu-coco, em pé à frente de um pequeno muro, com o mar e um céu nublado ao fundo. O rosto do homem é, em grande parte, ocultado por uma maçã verde pairando no ar. Apesar disso, seus olhos podem ser vistos na borda da maçã. Outra característica subtil é que o braço esquerdo do homem parece dobrar para trás no cotovelo.

Sobre a pintura, Magritte afirmou:

• "Pelo menos ela esconde o rosto parcialmente bem, assim que você tem a face aparente, a maçã, escondendo o visível mas oculto, o rosto da pessoa. É algo que acontece constantemente. Tudo que nós vemos esconde outra coisa, nós sempre queremos ver o que está escondido pelo o que nós vemos. Há um interesse naquilo que está escondido e no que o visível não nos mostra. Esse interesse pode tomar a forma de um sentimento relativamente intenso, um tipo de conflito, pode-se dizer, entre o visível que está escondido e o visível que está presente".

O Filho do Homem, René Magritte, 1964, coleção particular

Em 1963, o bom amigo, conselheiro e patrono de Magritte, Harry Torczyner, encomendou um auto-retrato do próprio Magritte. No entanto cartas escritas por Magritte indicam que ele achou difícil pintar seu próprio retrato. Magritte descreveu suas dificuldades como um "problema de consciência".

Quando Magritte terminou finalmente seu auto-retrato, a imagem resultante era deste homem anónimo em um chapéu do jogador e intitulado "o filho do homem".

O homem aparece overdressed e fora de contexto dentro do cenário. Está vestido formalmente, vestindo um terno cinzento escuro completo com um chapéu de coco, um colar e um laço vermelho.

O aspecto mais impressionante da imagem é o rosto do homem que foi obscurecido por uma maçã verde brilhante, que tem quatro folhas ligadas. Mal visível, o olho esquerdo do homem parece espreitar pelas folhas da maçã.

Magritte usou a maçã para ocultar seu rosto real e em seus próprios comentários sobre a pintura, Magritte discutiu o desejo humano de ver o que está escondido atrás do visível.

5. Les Amants, 1928

Em Les Amants, duas pessoas se abraçam em um beijo através do tecido branco, protegendo-as umas das outras, escondendo-as da vista uma da outra e do espectador.

Quando o renomado surrealista belga Rene Magritte era criança, ele viu sua mãe sofrer do que pode ter sido descrito como depressão. Ela repetidamente tentou cometer suicídio e acabou conseguindo.

A história original era que Magritte foi quem a encontrou quando ela apareceu; isso já foi mostrado como falso e possivelmente foi o resultado de uma história contada pela enfermeira de Magritte. O corpo da mãe de Rene Magritte foi encontrado em um rio e diz-se que o rosto dela estava envolto no tecido de sua saia.

Se esta história contém alguma verdade e Magritte viu sua mãe ou ouviu a história, então isso poderia explicar a estranha fixação que Magritte tinha em pessoas cobertas de tecido, como em Les Amants e outras de um tema similar.

Também foi sugerido por alguns que seu fascínio por esse estilo veio do interesse que muitos de seus contemporâneos tiveram no romance e personagem de cinema Fantômas, que usava um tecido sobre o rosto para disfarçar sua identidade.

É impossível dizer com certeza qual foi a inspiração de Magritte em mostrar os amantes dessa maneira. Ele raramente (se alguma vez) explicou suas motivações por trás de um tema, e certamente não sobre esse assunto.

O mistério do significado deixa-o aberto à interpretação de qualquer pessoa que veja a pintura e também contribui para a qualidade surrealista da pintura. Não seria tão misterioso com uma declaração clara, concisa e inequívoca sobre os temas subjacentes a ela. O surrealismo prospera com a idéia de destruir o entendimento comum do "normal", e explicar demais uma peça seria destruir essa possibilidade.

René Magritte – The Lovers, 1928  – Museum of Modern Art (MoMA), New York

Magritte era talentoso na criação de formas firmes que se destacavam fortemente na mente do espectador, o que aumentava a sensação de confusão quando ele tornava as imagens nítidas tão deslocadas de seu entorno, que geralmente eram simples fundos de salas, prédios simples ou cenas naturais descomplicadas.

É comovente que a compreensão dessas pinturas é difícil de discernir. Magritte pretendia confundir o espectador tirando cenas ou objetos comuns e colocando-os em lugares incomuns ou exibindo-os de uma maneira incomum.

Algumas de suas obras mais famosas são famosas puramente porque criam uma sensação de desconforto e interesse simultaneamente. 

fonte: site www.rene-magritte.com/les_amants

6. - Reprodução Proibida, 1937

Reprodução Proibida é uma pintura de René Magritte realizada em 1937. Este é o retrato de Edward James. Ela mostra um homem visto de trás e diante de um espelho, um livro é colocada sobre a borda do que parece ser uma casa. No espelho, a reflexão do homem é de fato um casal do mesmo, sempre vista de costas, enquanto o livro é normal, apresentando um reflexo inverso do seu título. O espelho oferece normalmente uma cópia verdadeira (mas em sentido inverso) do objecto que não é o caso do homem descrito aqui.

A natureza perturbadora da tabela é que o homem e o livro são tratados de forma diferente: a reflexão impossível do homem, e refletir problema livro “normal”. O engano espelho, fingindo a reflexão, oblitera a original, passou a fundo. Em vez de refletir o rosto dele que parece, o espelho de Magritte passa atrás do objeto, saias, desloca o real. A proibição da imagem é o fato de que um retrato mostrando apenas a parte de trás de seu tema é uma violação das regras do gênero (a identidade do sujeito, aqui M Edward James, é negada, que vai para contra as funções do “retrato”), mas, como um espelho que reflete de volta para o espectador que nega a existência de seu rosto (e, por extensão, a existência da pessoa). 

Le reproduction interdite, 1937, Museum Boijmans van Beuningen
– Rotterdam – Holanda

Para o título, “The Forbidden” Magritte nos ajuda a compreender que a pintura não é um espelho, que se limita a reproduzir aparências. Este não é um espelho da realidade. Ela pode “tomar” aparência. Devemos ir além da face. Este tópico também foi discutido com “The False Mirror”, onde ele imaginou olho do pintor (o olho cheio com a reflexão do céu e das nuvens que sobem) é um falso espelho. Na maioria de suas pinturas, Magritte está obcecado com esse tipo de lógica sistemática de aparência, denunciando-o e também é surpreendentemente neste sentido que a sua pintura se encaixa maravilhosamente com o surrealismo. A pintura é como um sonho proibido, ela nunca repetiu-se duas vezes no mesmo formulário.

7. - Referências

Wikipédia - Surrealismo / René Magritte / O filho do Homem

site não oficial - www.rene-magritte.com

https://www.arteeblog.com/2015/05/a-historia-de-golconde-de-rene-magritte.html

Fé e Arte, Ciclo C - Sexta-feira Santa - Quadros de Mantegna

1. - Evangelho

Anúncio da Paixão de Cristo (Jo 18,1–19,42)

Narrador 1: Paixão de nosso Senhor Jesus Cristo, segundo João.

Naquele tempo, 1Jesus saiu com os discípulos para o outro lado da torrente do Cedron. Havia aí um jardim, onde ele entrou com os discípulos. 2Também Judas, o traidor, conhecia o lugar, porque Jesus costumava reunir-se aí com os seus discípulos. 3Judas levou consigo um destacamento de soldados e alguns guardas dos sumos sacerdotes e fariseus, e chegou ali com lanternas, tochas e armas. 4Então Jesus, consciente de tudo o que ia acontecer, saiu ao encontro deles e disse:

Pres.: “A quem procurais?”

.......

Pres.: “Tudo está consumado”.

Narrador 1: E, inclinando a cabeça, entregou o espírito.

Narrador 2: 31Era o dia da preparação para a Páscoa. Os judeus queriam evitar que os corpos ficassem na cruz durante o sábado, porque aquele sábado era dia de festa solene. Então pediram a Pilatos que mandasse quebrar as pernas aos crucificados e os tirasse da cruz. 32Os soldados foram e quebraram as pernas de um e depois do outro que foram crucificados com Jesus. 33Ao se aproximarem de Jesus, e vendo que já estava morto, não lhe quebraram as pernas; 34mas um soldado abriu-lhe o lado com uma lança, e logo saiu sangue e água.

Ass.: 35Aquele que viu, dá testemunho e seu testemunho é verdadeiro;

Narrador 2: e ele sabe que fala a verdade, para que vós também acrediteis. 36Isso aconteceu para que se cumprisse a Escritura, que diz:

Ass.: “Não quebrarão nenhum dos seus ossos”.

Narrador 2: 37E outra Escritura ainda diz:

Ass.: “Olharão para aquele que transpassaram”.

Narrador 1: 38Depois disso, José de Arimatéia, que era discípulo de Jesus — mas às escondidas, por medo dos judeus —, pediu a Pilatos para tirar o corpo de Jesus. Pilatos consentiu. Então José veio tirar o corpo de Jesus. 39Chegou também Nicodemos, o mesmo que antes tinha ido de noite encontrar-se com Jesus. Trouxe uns trinta quilos de perfume feito de mirra e aloés. 40Então tomaram o corpo de Jesus e envolveram-no, com os aromas, em faixas de linho, como os judeus costumam sepultar.

Narrador 2: 41No lugar onde Jesus foi crucificado, havia um jardim e, no jardim, um túmulo novo, onde ainda ninguém tinha sido sepultado. 42Por causa da preparação da Páscoa, e como o túmulo estava perto, foi ali que colocaram Jesus.

2. - Dois quadros de Mantegna

A Crucificação

A Crucificação é um painel na parte central de um grande retábulo pintado por Andrea Mantegna entre 1457 e 1459 para o altar-mor de San Zeno, Verona (Itália ). Foi encomendado por Gregorio Correr , o abade desse mosteiro.

Crucificação, Mantegna, 1457 a 1459

Lamentação sobre o Cristo Morto

A Lamentação de Cristo  é uma pintura de cerca de 1480 pelo artista italiano do Renascimento Andrea Mantegna . Enquanto a datação da peça é debatida, foi concluída entre 1475 e 1501, provavelmente no início dos anos 1480.  Ele retrata o corpo de Cristo em uma laje de mármore . Ele é vigiado pela Virgem Maria e São João e Santa Maria Madalena chorando por sua morte.

O tema da Lamentação de Cristo é comum na arte medieval e renascentista , embora este tratamento, que remonta a um assunto conhecido como a Unção de Cristo, seja incomum para o período. A maioria das Lamentações mostra muito mais contato entre os enlutados e o corpo. Ricos contrastes de luz e sombra abundam, infundidos por um profundo senso de pathos .

O realismo e a tragédia da cena são reforçados pela perspectiva violenta , que escorça e dramatiza a figura reclinada, enfatizando os detalhes anatômicos: em particular, o tórax de Cristo. Os buracos nas mãos e nos pés de Cristo, assim como os rostos dos dois enlutados, são retratados sem qualquer concessão ao idealismo ou à retórica . A cortina acentuadamente desenhada que cobre o cadáver contribui para o efeito dramático. 

Lamentação sobre o Cristo Morto, Mantegna, 1480

Mantegna apresentou um estudo angustiante de um cadáver fortemente escoriado e uma descrição intensamente comovente de uma tragédia bíblica. Esta pintura é um dos muitos exemplos do domínio da perspectiva do artista . À primeira vista, a pintura parece exibir uma perspectiva exata. No entanto, um exame minucioso revela que Mantegna reduziu o tamanho dos pés da figura, que, como ele deve saber, cobriria grande parte do corpo, se devidamente representado.

3. - Reflexão sobre a Lamentação do Senhor Morto - Daniela Zsupan

"O Cristo Morto de Andrea Mantegna nos convida a contemplar o corpo partido de Cristo e a ficar de pé a seus pés enquanto seu corpo é preparado para o sepultamento. Contemplar essa imagem é uma experiência intensa. Vemos os buracos nas mãos e pés de Jesus bem de perto, mas isso não tem um efeito sangrento. Em vez disso, sentimos o completo esgotamento e esvaziamento de si mesmo que lemos na face de Cristo, e nos deparamos com o fato de que ele nos deu tudo o que tinha.

À esquerda, dois rostos de luto entram na cena. Ambos os rostos estão torcidos em dor, chorando por Jesus. Uma mulher mais velha poderia ser Maria, sua mãe. O outro, um homem mais jovem, possivelmente representa o Discípulo Amado. As duas figuras são símbolos da comunidade cristã, a Igreja, que permanece na Cruz neste dia para mais uma vez se confrontar com a realidade da doação final de Cristo. Suas lágrimas são de tristeza, perda, quebrantamento e derrota, uma reação apropriada ao Jesus morto. Mas as lágrimas também nos lembram da razão do sacrifício de Cristo: desfazer a escravidão do pecado e nos libertar do sofrimento humano.

Uma característica distintiva dessa imagem é a forma vertical escorçada do corpo de Cristo, que vemos a partir do primeiro pé. Pé primeiro significa ver a parte de seu corpo que estava mais próxima do chão, mais próxima da terra, pedras e espinhos do caminho da vida. Essa perspectiva enfatiza a experiência humana completa que Jesus viveu e suportou, mesmo a Morte injusta e violenta que levou tudo o que ele tinha. Ver os pés dessa maneira também lembra seu ensinamento de servir, seu chamado para fazer o que ele fez ao lavar os pés de seus seguidores. Mostrando os pés dos mortos, Cristo nos chama a reconhecer o dom do serviço visto até o final de dar a vida por outro. Nos pés de Cristo, estamos exatamente onde somos chamados a estar.

O comentário é de Daniella Zsupan-Jerome, professora assistente de liturgia, catequese e evangelização na Loyola University New Orleans.

4. - Mantegna

Andrea Mantegna (Vicenza c.1431 - Mântua, 13 de setembro de 1506) foi um pintor e gravador do Renascimento na Itália. Foi o primeiro grande artista da Itália setentrional

Mantegna nasceu na ilha de Cartura, perto de Vicenza, segundo filho do carpinteiro Biagio. Aos onze anos começou como aprendiz de Francesco Squarcione, um pintor de Pádua, cuja vocação inicial de alfaiate foi suplantada pela sua paixão pela arte clássica e antiga.

Como seu compatriota Petrarca, Squarcione era fanático pela antiga Roma, tendo viajado pela Itália e talvez pela Grécia coletando obras de arte e desenhando-as e passando seus estudos adiante para 137 alunos que passaram por suas mãos. Mantegna foi seu pupilo favorito, tendo estudado fragmentos de esculturas romanas e também perspectiva. Mas com a idade de 17 anos deixou o mestre, reclamando depois de não ter recebido sua parte nas obras comissionadas.

Embora substancialmente relacionada com o século XV, a influência de Mantegna está bem marcada sobre o estilo e as tendências da arte italiana de sua época. Giovanni Bellini em seus primeiros trabalhos obviamente segue os passos do cunhado. Albrecht Durer foi influenciado por seu estilo durante suas duas viagens à Itália.

Leonardo da Vinci pegou de Mantegna o uso da decoração com festões e frutas. Mas o maior legado é considerado a introdução de um ilusionismo espacial, seja em afrescos ou em pinturas sacras; sua tradição de decorar forros foi seguida por três séculos. Inspirando-se no Sala dos esposos, Correggio produziu sua obra maior do domo da catedral de Parma baseado na pesquisa de Mantegna sobre perspectiva.

5. - Reflexão do Cardeal Cantalamessa - Vaticano, Sexta feira santa 2022

Celebração da Paixão do Senhor, 15 de abril de 2022, Fr. Raniero Cantalamessa, OFMCap.

“PILATOS LHE DISSE: O QUE É A VERDADE?”

Pregação da Sexta-feira Santa de 2022

Na narrativa da Paixão, o evangelista João dá uma particular importância ao diálogo de Jesus com Pilatos, e é sobre ele que queremos refletir por alguns minutos, antes de prosseguir com a nossa liturgia.

Tudo começa com a pergunta de Pilatos: “Tu és o Rei dos Judeus?” (Jo 18,33). Jesus quer fazer Pilatos entender que a pergunta é mais séria do que ele pensa, mas que tem um significado apenas se não repetir simplesmente uma acusação de outros. Por isso, pergunta, por sua vez: “Dizes isso por ti mesmo ou outros te disseram isso de mim?”.

Ele procura conduzir Pilatos a uma visão superior. Fala do seu reino: um reino que “não é deste mundo”. O Procurador entende apenas uma coisa: que não se trata de um reino político. Se se quer falar de religião, ele não quer entrar neste gênero de questões. Por isso, pergunta com evidente ironia: “Então, tu és rei?”. “Jesus respondeu: ‘Tu dizes, que eu sou rei’” (Jo 18,37).

Declarando ser rei, Jesus se expõe à morte; mas, ao invés de se desculpar negando, afirma-o com força. Deixa fluir a sua origem superior: “Vim ao mundo...”: portanto, misteriosamente existia antes da vida terrena, vem de um outro mundo. Ele veio à terra para ser testemunha da verdade. Trata Pilatos como uma alma que necessita de luz e de verdade e não como um juiz. Ele se interessa pelo destino do homem Pilatos, mais do que o seu próprio. Com o seu apelo para receber a verdade, quer induzi-lo a retornar a si mesmo, a olhas as coisas com olhar diverso, a se colocar acima da contenda momentânea com os judeus.

O Procurador romano capta o convite que Jesus lhe dirige, mas, sobre este gênero de especulações, é cético e indiferente. O mistério que vislumbra nas palavras de Jesus lhe causa medo e ele prefere terminar o diálogo. Por isso, murmura consigo, dando de ombros: “O que é a verdade?”, e deixa o Pretório.

* * *

Como é atual esta página do Evangelho! Também hoje, como no passado, o homem não deixa de se perguntar: “O que é a verdade?”. Mas, como Pilatos, volta distraidamente as costas àquele que disse: “Vim ao mundo para dar testemunho da verdade” e “Eu sou a Verdade!” (Jo 14,6).

Pela internet, tenho acompanhado inúmeros debates sobre religião e ciência, sobre fé e ateísmo. Uma coisa chamou minh atenção: horas e horas de diálogo, sem que jamais fosse mencionado o nome de Jesus. E caso a parte crente ousasse mencioná-lo e alegar o fato da sua ressurreição dos mortos, imediatamente se tentava encerrar o discurso como não pertinente ao tema. Tudo acontece “etsi Christus non daretur”: como se no mundo jamais tivesse existido um homem chamado Jesus Cristo.

Qual é o resultado disso? A palavra “Deus” se tornar um recipiente vazio que cada um pode preencher ao seu bel-prazer. Mas, justamente por isso, Deus se preocupou em dar ele mesmo um conteúdo ao seu nome: “O Verbo se fez carne”. A Verdade se fez carne! Por isso, o extenuante esforço de deixar Jesus fora do discurso sobre Deus: ele tira do orgulho humano todo pretexto para decidir por si o que é Deus!

“Ah, certo: Jesus de Nazaré!”, objeta-se. “Mas há quem duvide até mesmo que tenha existido!”. Um conhecido escritor inglês do século passado ‒ conhecido pelo grande público por ser o autor do ciclo de romances e de filmes “O Senhor dos anéis”, John Ronald Tolkien ‒ em uma carta, dava esta resposta a seu filho, que lhe apresentava a mesma objeção:

É necessária uma extraordinária vontade de não crer para supor que Jesus jamais tenha existido ou que ele não tenha pronunciado as palavras a ele atribuídas, tanto que elas são impossíveis de serem inventadas por nenhum outro ser no mundo: “Antes que Abraão existisse, eu sou” (Jo 8,58); e “Quem me viu, viu o Pai (Jo 14,9)[1].

A única alternativa à verdade do Cristo, acrescentava o escritor, é que se trate de “um caso de megalomania demente e de uma fraude gigantesca”. Poderia, contudo, um caso do gênero, aguentar por vinte séculos de implacável crítica histórica e filosófica e produzir os frutos que tem produzido?

Hoje se vai além do ceticismo de Pilatos. Há quem pense que não se deva nem mesmo pôr a pergunta “O que é a verdade?”, porque a verdade, simplesmente, não existe! “Tudo é relativo, nada é certo! Pensar diversamente é presunção intolerável!”. Não há mais espaço para “as grandes narrativas sobre o mundo e sobre a realidade”, inclusive sobre Deus e sobre Cristo.

Irmãos e irmãs ateus, agnósticos ou ainda em busca (caso haja alguém na escuta): não é um pobre pregador como eu que pronunciou as palavras que agora estou prestes a vos dizer. É alguém que muitos dentre vós admiram, do qual escrevem e do qual, talvez, consideram-se também discípulos e continuadores: Søeren Kierkegaard, o iniciador da corrente filosófica do Existencialismo:

Fala-se tanto – afirma ele ‒ de misérias humanas; fala-se tanto de vidas desperdiçadas. Mas desperdiçada é somente a vida daquele homem que jamais se deu conta, porque jamais teve, no sentido mais profundo, a impressão de que exista um Deus e que ele –justamente ele, o seu eu – esteja diante desse Deus.

Afirma-se: há muita injustiça e muito sofrimento no mundo para se crer em Deus! É verdade, mas pensemos em quanto mais absurdo e motivo de desespero se torna o mal que nos circunda, sem a fé em um triunfo final da verdade e do bem. A Ressurreição de Jesus dos mortos, que celebraremos em dois dias, é a promessa e a garantia de que haverá aquele triunfo, porque já iniciou com ele.

Se eu tivesse a coragem do apóstolo Paulo, eu também deveria gritar: “Eu vos suplico: deixai-vos reconciliar com Deus!” (2Cor 5,20). Não “desperdiceis” também vós a vida! Não deixeis este mundo como Pilatos deixou o Pretório, com aquela pergunta no ar: “O que é a verdade?”. É muito importante. Trata-se de saber se temos vivido por algo, ou em vão.

* * *

O diálogo de Jesus com Pilatos oferece, porém, a ocasião também para uma outra reflexão, voltada, desta vez, para nós, fiéis e homens de Igreja, não aos de fora. “Teu povo e os chefes dos sacerdotes te entregaram a mim!”: Gens tua et pontifices tradiderunt te mihi (Jo 18,35). Os homens da tua Igreja, os teus sacerdotes te abandonaram; desqualificaram o teu nome com perversidades horrendas! E nós ainda deveríamos acreditar em ti? Também a esta terrível objeção, eu gostaria de responder com as palavras que o mesmo escritor mencionado escrevia ao filho:

O nosso amor poderá ser esfriado e a nossa vontade lesionada pelo espetáculo das deficiências, da loucura e dos pecados da Igreja e dos seus ministros, mas não creio que quem, uma vez, acreditou de verdade, abandone a fé por estas razões, menos de todos os que têm algum conhecimento da história... Isso é cômodo porque nos leva a desviar o olhar de nós mesmos e das nossas culpas e achar um bode expiatório... Penso que sou sensível aos escândalos, assim como tu o és e qualquer outro cristão. Tenho sofrido muito em minha vida por causa de padres incultos, cansados, fracos e, às vezes, também maus”.

Um resultado do gênero era, no mais, de se esperar. Começou antes da Páscoa, com a traição de Judas, a negação de Simão Pedro, a fuga dos apóstolos... Chorar, então? Sim – recomendava Tolkien ao filho ‒ mas por Jesus ‒ pelo que ele deve suportar ‒, antes do que por nós. Chorar –acrescentamos hoje – com as vítimas e pelas vítimas dos nossos pecados.

* * *

Uma conclusão para todos, crentes e não crentes. Este ano, celebramos a Páscoa não ao som de sinos, mas com o barulho nos ouvidos de bombas e explosões não distante daqui. Recordemos o que Jesus respondeu um dia à notícia do sangue dos galileus que Pilatos havia misturado ao dos sacrifícios, e da queda da torre de Siloé: “Se não vos arrependerdes, porém, perecereis todos do mesmo modo” (Lc 13,5). Se não mudardes as vossas lanças em foices, as vossas espadas em arados (Is 2,4) e os vossos mísseis em fábricas e casas, perecereis todos do mesmo modo!

Os eventos improvisamente nos recordaram uma coisa. As disposições do mundo mudam de um dia para o outro. Tudo passa, tudo envelhece; tudo ‒ não somente “a feliz juventude” ‒ desvanece. Há um só modo de se subtrair à corrente do tempo, que arrasta tudo atrás de si: passar ao que não passa! Pôr os pés em terra firme! Páscoa significa passagem: este ano, façamos todos uma verdadeira Páscoa, Veneráveis Padres, irmãos e irmãs: passemos Àquele que não passa. Passemos agora com o coração, antes de passar um dia com o corpo!

6. - Referências

Wikipédia - Mantegna / Crucifixação / Lamentação do Cristo Morto

Link para a pregação completa que já está colocada acima

https://www.vaticannews.va/pt/vaticano/news/2022-04/cardeal-raniero-cantalamessa-pregacao-sexta-feira-santa-2022.html

Fé e arte: 5a feira santa, ciclo C - Cerimônia do Lava Pés

1. - A  Cerimônia do Lava Pés

1Era antes da festa da Páscoa. Jesus sabia que tinha chegado a sua hora de passar deste mundo para o Pai; tendo amado os seus que estavam no mundo, amou-os até o fim.

2Estavam tomando a ceia. O diabo já tinha posto no coração de Judas, filho de Simão Iscariotes, o propósito de entregar Jesus. 3Jesus, sabendo que o Pai tinha colocado tudo em suas mãos e que de Deus tinha saído e para Deus voltava, 4levantou-se da mesa, tirou o manto, pegou uma toalha e amarrou-a na cintura. 5Derramou água numa bacia e começou a lavar os pés dos discípulos, enxugando-os com a toalha com que estava cingido.

6Chegou a vez de Simão Pedro. Pedro disse: “Senhor, tu me lavas os pés?” 7Respondeu Jesus: “Agora, não entendes o que estou fazendo; mais tarde compreenderás”.

8Disse-lhe Pedro: “Tu nunca me lavarás os pés!” Mas Jesus respondeu: “Se eu não te lavar, não terás parte comigo”. 9Simão Pedro disse: “Senhor, então lava não somente os meus pés, mas também as mãos e a cabeça”.

10Jesus respondeu: “Quem já se banhou não precisa lavar senão os pés, porque já está todo limpo. Também vós estais limpos, mas não todos”.

11Jesus sabia quem o ia entregar; por isso disse: “Nem todos estais limpos”.

12Depois de ter lavado os pés dos discípulos, Jesus vestiu o manto e sentou-se de novo. E disse aos discípulos: “Compreendeis o que acabo de fazer? 13Vós me chamais Mestre e Senhor, e dizeis bem, pois eu o sou. 14Portanto, se eu, o Senhor e Mestre, vos lavei os pés, também vós deveis lavar os pés uns dos outros. 15Dei-vos o exemplo, para que façais a mesma coisa que eu fiz.

— Palavra da Salvação.

2. - Os Mosaicos da Basílica de São Marcos em Veneza

3. - A Reflexão (Daniela Zsupan-Jerome)

Este mosaico bizantino da Basílica de San Marco, em Veneza, mostra Cristo lavando os pés dos discípulos. Contra um fundo dourado, os discípulos sentam-se em duas filas em volta de uma mesa sólida e resistente. Os rostos dos discípulos na primeira fila conservam alguma individualidade, enquanto os das costas são, em geral, repetidos. Podemos distinguir Pedro como o mais próximo de Jesus, com o pé na bacia de água. Podemos também adivinhar que Judas é o que está na fileira mais afastada de Cristo, o apóstolo cujo rosto não tem uma representação completa em seu perfil e cujo halo é cortado tão abruptamente quanto a borda da mesa.

Repetição de forma é um elemento importante deste mosaico. As pernas firmes da mesa e os corpos, cabeças e auréolas dos discípulos formam um padrão que comunica ordem e regularidade: uma reflexão visual sobre como o mandamento de Cristo de lavar os pés é a ordem e o padrão estabelecidos para aqueles que o seguem e servir em seu nome. O fato de alguns rostos parecerem distintos acrescenta complexidade a esse padrão e nos mostra o papel da livre vontade humana na escolha de seguir o padrão estabelecido por Cristo.

Na cabeceira da mesa, vemos Cristo lavando o pé de Pedro. Jesus está na posição do professor, como ilustrado por sua mão estendida enquanto ele oferece sua exortação a Pedro. A outra mão de Cristo também demonstra ensinar, pois ele está empenhado no serviço, tendendo ao pé de Pedro. As duas mãos de Cristo trabalham juntas para mostrar como o Evangelho é comunicado não apenas em palavras, mas também em ações.

Enquanto um dos pés de Pedro repousa sobre o colo de Jesus em uma toalha, o outro está imerso na bacia de água abaixo. A bacia é enfeitada e lembra uma pia batismal mais que um objeto doméstico. Essa imagem batismal mostra que o chamado de Cristo para seus discípulos fazerem o que ele fez é um chamado para todo cristão, cada pessoa nascida da fonte, viver como uma pessoa pronta para se curvar para lavar os pés. Na noite da Ceia do Senhor, quando recebemos o dom de Cristo na Eucaristia, todos nós também somos chamados a ser um presente aos outros, nas maneiras pelas quais podemos amar, servir e cuidar deles.

O comentário é de Daniella Zsupan-Jerome, professora assistente de liturgia, catequese e evangelização na Loyola University New Orleans.

4. - Referências

Site da Loyola Press - https://www.loyolapress.com/our-catholic-faith/liturgical-year/lent/arts-and-faith-for-lent/cycle-c/arts-and-faith-holy-thursday-iii